Il lavoro presentato a Brescia, “Indigenous – dramma sonoro”, si propone come una vera esperienza immersiva e notturna, sia per i suoi interpreti che per il pubblico. Diversamente dalle produzioni precedenti (come The Origin, Barok e Fidippide), in Indigenous Leila Gharib e Sonia Brunelli si avvalgono per la prima volta della collaborazione di altri artisti: Dafne Boggeri, Simona Rossi e Francesco Brasini. Sono loro cinque gli “indigeni” della scena. Scena che è pura sintesi di movimento e suono.
Non è un caso che il titolo alluda così esplicitamente alla dimensione acustica della performance. Pur in un’atmosfera psichedelica e stroboscopica, il lavoro attinge infatti agli immaginari ritmici del rituale e riesce a unire sonorità elettroacustiche (Francesco Brasini alla tastiera) alla tribalità delle percussioni (Leila Gharib alla batteria), incalzando ostinati ritmici e strutture modulari. È il suono – come colpo battente o come frequenza – a saturare lo spazio, calibrandone la densità e trasformando i performer in corpi rilevatori. Il risultato è una drammaturgia guidata dal suono.
Se Fidippide focalizzava l’attenzione sul passo del maratoneta, traducendolo in un moto rotatorio paziente e spossante, foriero di visioni, Indigenous intercetta invece “la necessità biologica dell’impulso espressivo” e porta in scena un flusso energetico, potente e primitivo. E se da una parte si insiste su un’espressività istintiva, e cioè sull’esserci/farsi di quel dato momento, dall’altra la ripetizione diventa il completamento di questa presenza.
Il luogo in cui agisce l’indigeno è proprio la scena, e già prima che gli spettatori prendano posto, una nota continua invade lo spazio acustico e performativo. Le luci presto si abbassano, lasciando un esteso stato di penombra, ad eccezione di alcuni coni di luce che illuminano, a destra e a sinistra i due musicisti, e in centro i passaggi della Brunelli. Per il pubblico è un esercizio all’oscurità, alla visione sensoriale. È un primo invito all’alterazione dello sguardo e dell’orecchio, a uscire dalla propria zona di comfort.
Nonostante il nero sia il colore predominante, una grossa tela sfrangiata si staglia sul fondo, lasciando intravedere tra una fessura e l’altra delle lame di luce. Luci colorate – rosse, blu e gialle – che irradiano il palcoscenico. È da qui che entrano ed escono le tre giovani performer, esplorando ripetutamente il perimento del palcoscenico secondo diverse direttrici: verticali, orizzontali, oblique. L’elemento che accumuna i diversi attraversamenti è la torsione. Il movimento inizia con una oscillazione continua e ritmata delle spalle, per poi scendere al resto del corpo. Il pubblico assiste alla reiterazione di sequenze ritmate, a combinazioni geometriche (a due, a tre) che alternando rigore e liquidità, portano allo sfinimento della figura e all’allucinazione del gesto.
