VINCENZO SARDELLI | Quarant’anni, l’alba di una nuova vita. Quelli di Grock il loro “secondo tempo” hanno già iniziato a festeggiarlo con un pirotecnico Avaro di Molière, in scena al Teatro Leonardo di Milano fino al prossimo 1 gennaio.
Happy Birthday, Happy New Year. L’aria di festa fa vibrare questa compagnia, creata nell’aprile 1974 da Maurizio Nichetti e dai fratelli Intropido, legata a doppio filo alla storia del teatro milanese, con quell’aria scanzonata che la contraddistingue. Divertimento, dinamismo, fisicità; numeri da circo uniti a trovate sceniche brillanti, nel segno della coralità: è questa la filigrana di Grock. Che il meglio sembra darlo quando si misura con i classici, con la transazione da rigore e fissità verso l’innovazione. Attraverso la scompaginazione degli originali, e messinscene che dialogano con i linguaggi contemporanei.
E pensare che l’Avaro (1668) è esso stesso una rivisitazione, poiché s’ispira all’Aulularia (sec. III a. C.) di Plauto. Protagonista è il taccagno Arpagone, ossessionato fino alla psicosi dalla paura di essere derubato; arido, egocentrico, egoista. Figli e servi sono pedine nelle sue mani, fiches deputate ad accrescerne il patrimonio. Di qui la loro “congiura” volta a mettere in scacco Arpagone, nel tentativo di farne affiorare quel po’ di umanità.
Gli orpelli del teatro francese del Seicento ci sono tutti in questo caravanserraglio sfrontato: un palco girevole al centro della scena (creata da Claudio Intropido), quinte di drappi e stracci tabacco che si proiettano lateralmente verso la sala, dove campeggia, con scettro e mantello, un re scelto tra gli spettatori. E poi costumi d’epoca (di Anna Bertolotti); una colonna sonora spavalda stile Goran Bregovic, con due canzoni corali che aprono e chiudono lo spettacolo (di Gipo Gurrado con la Nema Problema Orkestar); una regia (dello stesso Intropido e di Valeria Cavalli, anche traduttrice e adattatrice del testo) tesa ad animare un movimento mai fine a se stesso, attraverso un pubblico trascinato in una complicità istintiva.
Lo stile di Grock si sposa bene con il teatro francese d’epoca barocca, con una poetica tesa verso gusto dell’artificio, elaborazione e ostentazione. Erano gli anni del Re Sole e di Versailles. Anche le luci, rossastre o notturne, riproducono qui interni da pittura francese (de La Tour), scene quotidiane da pittura olandese (Rembrandt, Vermeer, Hals).
Il palcoscenico è una girandola. Tutto ruota intorno a Sua Maestà il Denaro. In questa successione di scene e controscene (di Maria Chiara Vitali) veloci, mai isteriche, anche pareti e tende hanno orecchie. È un gioco metateatrale. Gli affiatati attori (oltre al bravissimo Pietro De Pascalis-Arpagone, ci sono Jacopo Fracasso, Cristina Liparoto, Sabrina Marforio, Roberta Rovelli, Andrea Robbiano, Simone Severgnini, Clara Terranova) giocolieri e saltimbanchi, guitti girovaghi, entrano ed escono dal personaggio e dal gioco drammaturgico. Fanno il verso ai classici. Riproducono caratteri da Commedia dell’Arte, senza mai prendersi sul serio.
Tutto è calibrato, senza avvitamenti né appesantimenti. Latinorum, fermo immagine, montaggio in parallelo, mimo, balli ammiccanti da café-chantant arricchiscono la festa di Quelli di Grock. Che finiscono la serata con un monito (filtrato mica troppo dalla finzione) sulla dura vita degli attori, sulla bellezza e fatica del mestiere. In un’Italia dove con l’arte non si mangia mai abbastanza.
[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=AAHJ6Yvqghs&w=560&h=315]
MARIA CRISTINA SERRA | C’è sempre un angolo di mondo dove trovare riparo all’assedio delle immagini scomposte e riscoprire i silenzi carichi di senso, lontano dal frastuono del superfluo. Un riquadro di tempo e di spazio consolatorio, intessuto di leggerezza, che lascia intravedere le cose fuori campo, così che la banalità e l‘infinito possono trovare le loro convergenze. Nel gettare “un doppio sguardo sul mondo visibile presente e su quello evocato, una specie di alone che abiterà persone e luoghi” è stato maestro sublime Luigi Ghirri, fotografo innovatore e sperimentatore, morto prematuramente nel 1992, che dopo vent’anni di oblio si è imposto al grande pubblico, per regalarci un’etica della visione e un’idea di Paese, in cui ritrovare la memoria di una identità smarrita. Dopo il MAXXI di Roma, la mostra “Luigi Ghirri “Pensare per immagini. Icone Paesaggi Architetture” andrà nei musei di Rio de Janeiro, Mosca e Shangai, per ritornare poi in Italia nella primavera del 2014, al Festival Europeo di Fotografia (ai Chiostri di San Pietro di Reggio Emilia).
Ma scrivendo su Google con nemmeno troppa fantasia “Daniel russian dissident writer”, ecco che subito 
MICHELA MASTROIANNI | Da molti anni e ancora adesso, la forma dialogica in fatto d’arte rappresenta un’eccezione, essendosi imposto, anche e forse soprattutto per ragioni di mercato negli ultimi 40 anni, un approccio verticistico alla curatela, critica e divulgazione, fatto di figure cui vengono riconosciuti poteri rabdomantici, piuttosto che pensare invece a diffondere in maniera più orizzontale la conoscenza e recuperare il dialogo come forma maieutica.
I prossimi appuntamenti si prevedono non meno ricchi di attesa e fermento: il 14 dicembre, Renzo Francabandera condurrà “Scena pop: moda, fashion e tacchi a spillo in palcoscenico!” mentre, dopo la pausa invernale, si tornerà per il primo appuntamento dell’anno nuovo l’11 gennaio con “Il gesto atletico: pratiche di sconfinamento tra sport e arte”.
MARIA PIA MONTEDURO | Marco Bellocchio dirige Cechov a teatro. Già questa è una notizia positiva, per l’incontro appunto a teatro tra uno dei più impegnati e geniali registi di cinema – e in rare occasioni operante sul palcoscenico – e un drammaturgo “classico” che negli ultimi anni (per fortuna) viene rivisitato per svecchiarlo e togliergli quell’aria cupa e un po’ opprimente, troppo spesso utilizzata sue nelle messe in scena. Proprio con il testo “Zio Vanja” qualche stagione fa Gabriele Vacis aveva realizzato un’edizione memorabile del testo cechoviano, evidenziando la vis comica, meglio umoristica e sarcastica, che il drammaturgo russo pone, se pur in controluce, nelle sue opere, anche in quelle ritenute drammatiche tout court.
MARIA PIA MONTEDURO | Henrik Ibsen è un mare magnum. Nella sua ampia produzione, lo scrittore norvegese affronta molti temi e in ogni sua opera drammaturgica, a mo’ di scatola cinese, sono ritrovabili le grandi problematiche del suo teatro e poi, dramma per dramma, specifiche situazioni e soluzioni. “I pilastri della società” (1877, a volte tradotto come “Le colonne della società” o “I sostegni della società”), pur se riconosciuto come l’iniziatore del teatro sociale di Ibsen, non è tra le opere più rappresentate, almeno negli ultimi cinquant’anni, probabilmente perché molte delle tematiche qui in nuce sono poi ampliati e amplificati in opere successive. Quindi interessante l’operazione del Teatro di Roma, in coproduzione con il Teatro Pergola di Firenze e la Fondazione Teatro Stabile di Torino, di presentare questo testo con la regia di Gabriele Lavia che ne è anche l’interprete principale nel ruolo del console Karsten Bernick.
EMANUELE TIRELLI | Richard Yates non sarebbe mai diventato uno scrittore senza Francis Scott Fitzgerald. Fu lui stesso a dichiararlo. Herman Melville aveva una profonda ammirazione per Nathaniel Hawthorne e il loro carteggio lo dice chiaramente. Tra Henry Miller e Anais Nin esplose un amore sanguigno e appassionato. La storia della letteratura è piena di vicende di questo tipo. E magari è anche divertente, interessante, o quello che volete, farsi un po’ i fatti degli autori, scoprire cosa facevano e magari ritrovare qualche elemento nei loro romanzi. Pensiamo anche alla stima che legava John Fante e Charles Bukowski, stima e amicizia. Bukowski gli disse addirittura che sapeva scrivere come Faulkner, regalandogli così un grande complimento. Faulkner. Mica accostando lo stile dell’autore italo-americano a quello di un aspirante scrittore qualsiasi, come oggi fa Andrea De Carlo. Soprattutto se poi l’aspirante scrittore qualsiasi risponde “Fante ha toccato l’inferno, ma io mi ci sono seduto sopra”.
Forse dopo tre puntate si può tirare almeno una piccola somma di quello che è successo e valutare se la produzione ha aggiustato un po’ il tiro. La risposta comunque è sì, ma le domande sono. Si parla poco di letteratura? Sì. Si parla poco di autori? Sì. A volte la concentrazione sta troppo sul candidato e poco sul suo testo? Sì. I candidati stessi, nella maggior parte dei casi, sono letterariamente imbarazzanti? Sì. Certo, niente Pound, niente Eliot, niente Salvatore Toma o Pietro Grossi. Ed è anche giusto considerare che si tratta di un prodotto televisivo. Però, insomma, a parte farsi quattro risate, sembra un’occasione sprecata, un grande sfottò. Tutto troppo veloce. Di quella velocità che si vede e che denota scarso equilibrio nella costruzione del programma. Eppure guardando l’ultima puntata aleggia la sensazione che qualcosa sia cambiato (in meglio) rispetto alle due settimane precedenti. Forse Elisabetta Sgarbi ha lanciato i primi piatti in aria per rimettere a posto le cose e avere qualche aspirante scrittore degno di questo premio. Ma per ottenere un risultato migliore dovrà rompere ancora tutti i bicchieri e sacrificare anche il servizio buono.