RENZO FRANCABANDERA | “La tua azienda favorisce la mobilità”. Così mi capitava di leggere su un banner nella homepage di una intranet aziendale in questi giorni. Un messaggio a qualche decina di migliaia di dipendenti di un grande gruppo sparsi nel mondo e chiamati a salpare con l’audacia di Ulisse. Verso dove? Da- a? E per quanto tempo? Mi imbarco ma tornerò a casa?
“Nessuno potrebbe superare Omero per sublimità negli argomenti di grande importanza e per proprietà in quelli di minore importanza: è ricco e conciso, ma è serio, degno di ammirazione per l’abbondanza per la concisione, supera tutti non solo per le sue capacità poetiche, ma anche per il suo vigore oratorio.”
E’ la versione data oggi per la maturità. Quintiliano che parla di Omero e dice “Ci ha dato infatti un modello” e Luciano Canfora in una esegesi del testo per Repubblica dice che il commentatore latino solleva una questione di fondo ovvero la centralità della parola nella comprensione del reale. La realtà è parola.
E Odisseo è un modello che regge a circa tremila anni di tradizione rapsodica. Ma è proprio la figura di Ulisse che evidentemente in questo tempo, nel nostro tempo, ha da dire. Anche Bob Wilson ha scelto di recente di dire la sua sul poema, con ricco dispiegamento di forze, trasformando l’Odissea in una sorta di avvincente cartoon dove mostri ed epifanie fantastiche si confondono al limitare fra coscienza e incoscienza.
L’Odissea è diventata un po’ la Bibbia del nostro tempo. Non per diffusione, perchè una qualsiasi biografia di Justin Bieber ha sicuramente molti più lettori fra i giovani. E perchè se giri telecamera alla mano nei mercati di Comasina a Milano c’è gente che ti guarda candida e ti dice che Omero non sa chi sia, e anche su Ulisse ha qualche dubbio.
E’ diventata la Bibbia perchè incorpora il sentimento dell’incerto, quell’angoscia della partenza senza certezza d’approdo per l’uomo del Duemila, lo stessoche non è nemmeno sicuro di riuscire a sopravvivere ancora 100 anni come specie vivente ma che trova in sè la scatenante forza di mettere al mondo suoi simili. Ecco, in tutto questo c’è qualcosa che 2800 anni fa evidentemente era uguale e che i rapsodi cantavano in modo molto chiaro.
Ulisse è sempre esistito.
E il teatro sembra averne fortissimo bisogno. Aveva un che di Ulisse l’Amleto padre di Latella, che cercava un alfabeto del contemporaneo nell’Hamlet’s project. E’ esistito in quegli esperimenti di Cesar Brie con il teatro delle Ande, in cui guerre e migrazioni erano proprio il codice di riporto per la spiegazione del reale da parte del regista italo argentino ai suoi attori boliviani.
Ed è la proposta che fa in questi giorni ad Olinda il Teatro delle Ariette, con un gruppo di abitanti del quartiere Comasina di Milano. Persone arrivate in Italia o che sono nate qui, ma che forse il destino spingerà a nuove migrazioni. O esseri viventi che un palmo di terra ferma alla propria coscienza non l’hanno mai potuto dare. A governare il progetto sono Stefano e Paola delle Ariette, con il loro modo di fare scena semplice, tradizionale, edibile, e che ha da sempre come centro proprio la parola attorno al desco. In fondo è quello che accade nell’Odissea con Ulisse che racconta nel dopocena qualche anno di vita.
Qui sono le periferie che, addentando brandelli di testo omerico, lo porgono all’ascoltatore. E la preghiera dell’accoglienza supplicata in tre o quattro dialetti africani diversi, in spagnolo latinoamericano, in afgano, in italiani diversi, con accenti di ogni regione. Insomma quanti Odisseo sono approdati a Comasina? Il Teatro delle Ariette ha scelto cinque episodi. Ha concentrato il fuoco sul racconto orale e sul porgerlo agli ascoltatori come l’eroe di Itaca ai Feaci. E in poche immagini qualificanti.
Pochi oggetti, le parole del misterioso Omero, una barca, il pubblico a bordo di un’imbarcazione in balia delle onde. E noi, marinai del contemporaneo, naufraghi appesi alle gabbie dei pescatori nel Canale di Sicilia per sopravvivere, favoriti o costretti alla mobilità e per di più obbligati, mentre siamo li’ appesi a sentire qualche sciocca rilasciar dichiarazioni che “beh, questo è un buon motivo per smettere di mangiare tonno”.
Faceva bene Circe a trasformarci in porci.
GIULIA MURONI | Un corpo, sovraesposto e dissezionato nelle proiezioni, in penombra. Un corpo silenzioso, che non produce narrazione.
RENZO FRANCABANDERA | “Come capire Burri? Eh, è una parola!”
ALESSANDRO VOLTA | Quali caratteristiche ci aspettiamo da uno spettacolo di teatro contemporaneo? E come si può raccontarne uno che per la maggior parte si svolge in silenzio e con i viaggiatori (così vengono detti gli spettatori) bendati? Come si può scrivere adeguatamente, e in modo analitico, di un’esperienza squisitamente emozionale? Queste le prime domande che salgono alla mente dopo «Centoporte» della compagnia Teatro dei Sensi Rosa Pristina al Napoli Teatro Festival, ospitato nella Sala delle Carrozze, entro la bellissima cornice della stazione di Pietrarsa, quartiere di San Giovanni a Teduccio.
I simboli archetipici del buio e del silenzio, connotati negativamente nella nostra coscienza, in questa occasione assumono la funzione di amplificare la percezione, di attivare una dimensione onirica; la metafora del viaggio ha la funzione di portarci lontano e di restituirci alla realtà cambiati, così come si conviene quando s’intraprende un cammino esperienziale.
MARCELLA MANNI | Due mostre in corso possono fornire lo spunto per un dibattito sulla prospettiva femminista nell’arte, che, almeno in Italia, vive un vuoto teorico quantomeno singolare. Partendo proprio dalla scena italiana la mostra Autoritratti.
Hanno una matrice dichiaratamente politica le Three true stories allestite a Modena alla Fondazione Fotografia, dove l’immagine fotografica è lo strumento per documentare raccogliere testimonianze con una forte connotazione critica. I punti di vista sono quelli di tre artiste donne, Zanele Muholi, Ahlam Shibli e Mitra Tabrizian che esplorano temi di violenza, di emarginazione sessuale e di conflitto culturale e religioso. La tematica di genere è il fulcro del lavoro dell’artista sudafricana Zanele Muholi, i suoi Faces and Phases ambiscono a costruire una mappatura della comunità nera di lesbiche che vivono in Sud- Africa per dotarla di una “identità visiva” del tutto assente e allo stesso tempo riscattandola da una storia di emarginazione e di violenza alla quale a tutt’oggi sembra impossibile sottrarsi. Ahlam Shibli attraverso la rappresentazione della morte nei campi profughi della Cisgiordania presenta un campionario di omaggio ai martiri che va dalle fotografie ai poster, ai graffiti, ai dipinti che si trovano non solo nelle strade, ma anche all’interno delle abitazioni, tradotte in una sorta di culto quotidiano. La strategia di Mitra Tabrizian è invece quella di muoversi tra realtà e costruzione fittizia; immigrata nel Regno Unito dall’Iran negli anni Ottanta, Tabrizian mette in scena delle situazioni irreali, sospese geograficamente: se da un lato le immagini rivelano i tratti di una società e di una cultura musulmana, dall’altro tradiscono la loro collocazione geografica non “originaria”. La sospensione dello spettatore, il suo smarrimento, è l’effetto che si richiede, lo stesso di chi vive un conflittuale processo di integrazione.
MARAT | “Teatri vuoti e chiusi potrebbero affollarsi se tu ti proponessi di recitare te”. Credo che i CCCP siano il (mio) corrispettivo di certe filosofie orientali. Di quei libri che apri a caso e in cui trovi (o credi di trovare) qualche tipo di verità. Ma è ortodossia, non santità. Chissene della santità. Con buona pace di Giovanni Lindo Ferretti sugli Appennini, di cui non voglio parlare oltre. Dolore. Che sto ancora cercando di elaborare il lutto del cambiamento. Che a trovarlo con una rubrica su Avvenire sai com’è, quasi mi viene un colpo. Comunque ascoltavo Emilia paranoica in macchina. Credo di essere la persona che più ha ascoltato al mondo Emilia paranoica in macchina. “Teatro vuoti e chiusi potrebbero affollarsi se tu ti proponessi di recitare te”. Già, ma cosa comporterebbe? Il senso è che sento profonda la mancanza di un’urgenza, per dirla con Bergonzoni. Di comunicare qualcosa senza rimandare oltre. Di mettere sul palco sé stessi, magari fragili e minuscoli, ma sporchi del vero. Con quell’ovosodo da sputar fuori a voce piena appena la gente ti si siede innanzi. Si è recentemente parlato di una suddivisione del teatro fra chi racconta della realtà e chi estetizza, con derive da esercizi di stile. Mi suona un po’ vecchia come cosa. Un po’ facile. E mi rendo conto che nella mia testa ciò che invece discrimina è un senso di verità. Che quello che ho di fronte sia vero per qualcuno, sia un’inderogabile necessità. Di comunicare, emozionare, indignare. Ho superato la soglia. E preferisco uno spettacolo imperfetto ma vero, alle vostre raffinatezze. La pancia a un trenino senza destinazione. Di chi ragiona per mode, abbonamenti, critica. Di chi prende un’immagine e la stiracchia per 40 minuti, una fede e ne abusa, un aggancio produttivo e si prona. Che il fascino dei ciarlatani è sfumato da tempo, intorno ai 18 anni. E di mestieranti è pieno il mondo. L’ho visto giù a Napoli, fra gente arrivata. L’ho visto qui a Milano, in mezzo a chi ha fame. L’ho visto in registi residenti, stanchi come pensionati. E in operatori ottusi come medici obiettori. Perché c’è ancora una purezza di fondo nel mio (nostro) sguardo, che merita d’essere conquistata. Senza sotterfugi. E a cui basta una parola, un gesto, una poesia, per venir via. Come cantava Viola Valentino. Che era tanta roba. Aspetto un’emozione sempre più (in)definibile.