ALESSANDRO MASTANDREA | Strana specie queste “Iene”, bipedi antropomorfi che amano muoversi sui non facili crinali dell’etere, dove scivolare nel “già visto” è qualcosa di più che una remota possibilità. Tuttavia, sebbene celato da uno spesso strato di leggerezza, e al pari di trasmissioni di denuncia ben più blasonate, un nocciolo sul quale riflettere è possibile trovarlo.
Tra cazzeggio e denuncia, indignati eppure “Pop”, di strada ne hanno percorsa queste controparti televisive tarantiniane, dai tempi in cui, sconosciuti inviati, era una Simona Ventura non ancora sulla cresta dell’onda a capitanarli. Nel mezzo, la voglia di rinnovarsi per rimanere agganciati ai gusti delle nuove generazioni poco avvezze alla TV e molto più ai new media, loro che qualche ruga intorno al ghigno oggi la mostrano.
Questa edizione 2013 (Italia 1, domenica in prima serata) non fa eccezioni. Sebbene la formazione delle “iene da strada” sia rimasta grosso modo inalterata, è in studio che si consuma la più grossa delle rivoluzioni formali: via la coppia di iene maschili che affiancano l’ex letterina Blasi, capobranco e consorte del “pupone” nazionale, dentro il solo Teo Mammuccari coadiuvato dalle impertinenti voci fuori campo della Gialappas’s Band.
Ben altro discorso per quel che riguarda i contenuti, dove, come detto, ai momenti di alleggerimento
se ne alternano altri più vicini alla “TV dell’indignazione”.
Ed è la fotografia impietosa di un “popolo di santi, navigatori e truffatori” quella che ci viene restituita da molti degli inviati (Casciari, Viviani e Pelazza), dove è una telecamera spesso nascosta a mostrarci la vita in maniera non patinata. Una TV che dosa impegno e leggerezza, sebbene di primo acchitto pare sappia parlare più alla pancia che al cervello. Eppure, non fosse altro che per alcuni dei temi trattati, il cervello è stimolato eccome. Capita, per esempio, con le denunce raccolte da Paolo Calabresi e Laura Gauthier nella puntata del 27 gennaio: incentrata, l’una, sulla testimonianza anonima di una madre il cui figlio ha subito molestie da un pedofilo; l’altra, sulle malefatte di un sedicente manager dello spettacolo col vizio di proporre serate di sesso e droga a ragazze minorenni. Che le finalità spettacolari si frappongano alla profondità del discorso, sorta di velo o cataratta, opacizzandolo, è un dato di fatto. Tuttavia è quando cominciamo a chiederci come mai una madre preferisca la TV, magari in forma anonima, alle autorità preposte, che una prospettiva nuova comincia a farsi strada. Che si tratti di sfiducia nelle istituzioni, o dell’irresistibile attrattiva dei media, non è forse vero che alla TV deleghiamo, oltre ai nostri stati affettivi, anche il nostro fare, in una sorta di circolo in cui la vita rappresentata all’interno della cornice televisiva è più vera del vero?
Non ce ne vogliano i puristi del giornalismo televisivo di inchiesta, ma non è forse lo stesso sentimento di indignazione anche quello che proviamo guardando trasmissioni come Report? Non è forse alla pancia che parlano entrambe? Se così non fosse, dovremmo dunque aspettarci sollevazioni popolari con l’una e non con l’altra?
Anche “le Iene”, in definitiva, possono rivendicare una propria ragion d’essere, che trova una sintesi, ad esempio, nell’opera dello stralunato Enrico Lucci, capace di alternare diversi registri. E’ uno strano tipo di racconto il suo, che mescola elementi superficiali – come il facile sorriso provocato dal racconto della vicenda in un dialetto romano un po’ sguaiato – a elementi più commoventi, come capita nel racconto a tinte poetiche del viaggio fatto con Gina Lollobrigida in treno. Ne “i tormenti della diva” (domenica10 febbraio), grazie al giusto mix di immagini e musica, la iena Lucci, a dispetto della superficialità testuale di cui si è detto, sa di restituirci un quadro in realtà affettuoso:
“A ottantacinque anni Gì, ma che cazzo ce ne frega de un portacenere. A Gì guarda che bella ‘a vita”.
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NICOLA ARRIGONI | L’urlo strozzato di Ifigenia, sacrificata dal padre Agamennone, la disquisizione fra un gerarca nazista e un linguista in divisa da Ss sulle lingue e la scientificità delle razze in area caucasica tratto da Le benevole di Jonathan Littel, la furia venatoria di San Giuliano, patrono dei cacciatori, rappresentano i tre blocchi drammaturgici di L. I. Lingua Imperi di Anagoor. I ragazzi di Anagoor: Anna Bragagnolo, Mattia Beraldo, Moreno Callegari, Marco Crosato, Paola Dallan, Marco Menegoni, Gayanée Movsisyan, Eliza Oanca, Monica Tonietto diretti da Simone Derai, costruiscono una messinscena che va in cerca dello stretto legame fra lingua e potere, fra idioma e dominazione dei popoli, lo fanno con una stringete argomentazione che si riversa sulla scena in una ‘rappresentazione anti-teatrale’, in una sorta di dimostrazione agita di pensiero possibile sul potere, sulla violenza con cui l’uomo deve convivere, una violenza che scoppia virulenta, che contagia le parole e il corpo e interroga le coscienze. Allora in scena accade che le parole diventino immagini, azioni, accade che la definizione di stranieri offerta dai greci con oi barbaroi, ovvero coloro che balbettano, o il modo con cui i russi definiscono i tedeschi: ‘muti’ trovino riscontro nelle bocche cucite di giovani che compaiono su un grande video, intervallati dal passaggio di pecore: due modi di significare il silenzio delle vittime delle guerre, un modo per dire del silenzio assordante dei sacrifici compiuti in nome dei confini posti non dalla razza o dall’appartenenza, ma dalla lingua e dalla necessità di segnare un’origine, un’autenticità di un popolo, piuttosto che di una nazione. Ecco che i corpi adolescenti degli attori/performer di Anagoor sono corpi ammassati, ecco che la freccia scoccata sul bersaglio è segno di un cacciare che è anche un essere cacciati e che si compie nello sguardo di un cervo che interroga e ci interroga. Tanti i segni che mettono a punto gli Anagoor, un chiedersi quale è l’origine del potere, della violenza ad esso connessa, del confine che rende l’atro non solo desiderabile, ma conquistabile, che rende l’altro oggetto e merce di scambio, che rende l’altro nemico, semplicemente perché diverso, semplicemente perché parla un’altra lingua, Veste in un altro modo… Hanno studiato e tanto i ragazzi di Anagoor, non fanno un passo senza un’auctoritate cui far riferimento, non dicono che per interposta parola eppure alla fine costruiscono il loro ‘discorso’, un dire che è dimostrazione argomentativa della banalità del male e della sua terribile e inquietante origine linguistica e pretese pseudoscientifiche, ma soprattutto un ‘discorso’ che alla fine riflette un modus teatrale, antiteatrale, un’estetica dell’essenziale e del barocco al tempo stesso che è calligrafia dell’anima e graffiante stupore di chi sta a guardare, di chi senza orizzonte non può che cercare un senso nelle maglie stringenti della lingua e dell’argomentare per trovare un bandolo di verità. L. I. Lingua Imperi è un lavoro che inquieta per la sua secchezza e per la freddezza e per quei corpi e volti di ragazzi poco più che adolescenti che dicono di una fragilità che angoscia e si pone come voce muta delle vittime che interroga il nostro presente.
BRUNA MONACO | Nove attori e una danzatrice. Provengono da percorsi artistici e formazione diversi. Anche in fisicità, lingua e cultura differiscono. IfHuman, come la maggior parte delle compagnie di danza contemporanea o di teatro-danza che si rispetti, è un gruppo ad ampio spettro di eterogeneità. Dietro le quinte, chi ha ideato il progetto e dato forma allo spettacolo: Gaia Saitta, regista, e Julie Anne Stanzak, coreografa.
LAURA NOVELLI | Di corsa. Da un punto x verso un punto y. Di corsa fuggendo da qualcosa, qualcuno, qualche luogo. Di corsa per raggiungere qualcosa, qualcuno, qualche luogo. E mentre si corre il senso di questo andare prende forma. Si allarga ai percorsi esistenziali degli altri. Diventa “coro” cittadino. Tramuta in drammaturgia.
NICOLA ARRIGONI | C’è un teatro che sa essere poetico ed etico, c’è un teatro che non s’arrende, ci sono artisti che amano complicarsi la vita e soprattutto mettere a disposizione la loro intelligenza per resistere alla barbarie del presente. Valerio Binasco, regista e attore, appartiene a questo teatro dell’etica e della poetica, è uno che sa spendersi, che sa dare e ha il coraggio di pensare il futuro. Il futuro/adesso per Valerio Binasco è la Popular Shakespeare Kompany, il presente è La Tempesta di William Shakespeare, l’ultima opera del Bardo per dare respiro ad una compagnia nuova e antica al tempo stesso.
VINCENZO SARDELLI | “Chicago Boys”, strampalata conferenza-spettacolo teatrale di e con Renato Sarti, racconta il degrado socio-economico del nostro tempo.
ELENA SCOLARI | Nella costellazione dei piccoli teatri milanesi segnaliamo una crescita interessante nella programmazione del Teatro Oscar: abbiamo già parlato de La bestia nella giungla dall’omonimo romanzo di Henry James, oggi ci soffermiamo invece su La regina degli elfi, dal testo del premio Nobel Elfriede Jelinek, recentemente messo in scena a cura di Angela Malfitano, che con questo lavoro vuole rendere omaggio il suo maestro Leo de Berardinis.
MARIA CRISTINA SERRA | L’esistenza è composta di dettagli: piccole cose che assumono grandi significati. Desideri e sogni si mischiano alla realtà e cercano ali per volare in alto. Manuel Alvarez Bravo (1902-2002) aveva imparato a non avere fretta, ad assaporare la cantilena lenta del tempo, in cui nulla è statico, tutto è un continuo fluire di forme, fra le quali scorgere schegge di sentimenti e fascinazioni del quotidiano. “Don Manuel” (così lo chiamava lo scrittore Carlos Fuentes) “è un genio, capace di regalare un istante di riposo alle turbolenze del mondo, affidando a chi guarda il compito di restituire movimento all’immagine”. La vita rurale e le tradizioni, la vita di strada e la gente che l’anima, la luce del giorno che taglia angoli e facciate con “magico realismo”, le ombre misteriose che insinuano solitarie inquietudini, diventano presto lo scenario dove realizzare il suo “sogno ad occhi aperti”, dove non c’è posto per eroi, celebrazioni, monumenti.