BRUNA MONACO | Nel 1959 l’autore inglese poco più che trentenne Alan Sillitoe pubblica una raccolta di racconti che l’anno successivo gli vale l’Hawthornden Prize. In quel periodo Sillitoe vive a Maiorca, ma sono gli anni in cui in Inghilterra nascono i giovani arrabbiati, romanzieri, novellieri e drammaturghi appartenenti o vicini ai ceti medio-bassi. Figli di operai, disoccupati, di quel proletariato che se non riesce a soffocare la rabbia in un lavoro faticoso e malpagato, la trasforma in delinquenza. O in letteratura, come nel caso di Sillitoe che pur rifuggendo l’appartenenza ad una categoria letteraria, per temi e caratteristiche stilistiche rientra a pieno titolo negli “Angry Young Man”, accanto a John Osborne, Kingsley Amis, John Braine.
La solitudine del maratoneta è il racconto di cinquanta pagine che dà il titolo all’intera raccolta del ’59. Racconto che nel corso degli anni ha riscosso tanta approvazione da diventare prima un film, firmato e girato da Tony Richardson nel 1962, Gioventù amore e rabbia, ora uno spettacolo teatrale. Protagonista del racconto un giovane delinquentello finito in riformatorio per un furto in un panificio. Il riformatorio in cui capita è però uno di quelli che si vuole all’avanguardia, di quelli in cui si dice di voler davvero offrire una possibilità di riscatto e di riabilitazione ai detenuti. Quale mezzo migliore se non lo sport, che più del lavoro nobilita l’uomo? Perché nello sport la fatica non è fine a se stessa, né mera merce di scambio. Una fatica che subito si trasforma in ricompensa e appagamento, endorfina. E quale sport se non la maratona? Che ti obbliga a un confronto costante e individuale con te stesso, i tuoi limiti. Così al nostro protagonista, fisicamente prestante e abituato a correre per sfuggire alla polizia, il riformatorio e per suo tramite lo Stato, i difensori della legge, chiede di redimersi, allenandosi e vincendo una maratona. Gareggiare per lo Stato, vincere con la maglia del riformatorio dell’Essex, vuol dire passare dalla parte della legge, rinunciare allo status di reietto, rifiutare la rabbia di classe. Ma questa rabbia il nostro protagonista non vuole reprimerla né trasformarla o nobilitarla. Lui è un Angry Young Man e a pochi metri dal traguardo, con un vantaggio di centinaia di metri sugli altri maratoneti, si ferma. Alla sua sconfitta individuale, nel più solitario degli sport, in cui anche mentre sei con gli atri non puoi fare altro che pensare a te stesso (passo, respirazione, ritmo), fa eco la sconfitta collettiva di un sistema statale che cerca di riaggregare la società.
Alan Sillitoe racconta la solitudine del suo maratoneta in prima persona, in un lungo monologo che si apre alle voci di tanti personaggi: il padre, la madre, la sorella, qualche compagno di cella, il direttore del riformatorio entrano nella narrazione con le proprie parole, in discorso diretto. Ma le parole degli altri sono schiacciate dal commento dalla voce del narratore, unico vero protagonista della storia, solo con i suoi ricordi evocati e narrati. Nel suo adattamento scenico Nicola Pistoia decide di dare non solo voce, ma anche corpo ad alcuni dei personaggi che appaiono nella novella di Sillitoe. Alla sorella (Antonella Civale), a un poliziotto, al direttore, a un uomo incontrato per caso che tenta di impiccarsi. Lo stesso protagonista è sdoppiato: l’io narrante (maturo, quarantenne, Alfredo Angelici) e l’io narrato, il protagonista ai tempi del riformatorio (il giovane Dimitri D’Urbano). I due attori entrano ed escono dai panni dei personaggi e in tutta questo muoversi di apparizioni e scomparse l’impressione della solitudine – con tutta la sua carica di rivolta sociale – si perde. Ed è questo il difetto maggiore di uno spettacolo che, al contrario del testo di Silliote, scivola via senza lasciare il segno.
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RENZO FRANCABANDERA | Un uomo dissoluto abbandona figlio e anziana moglie. Il ragazzo viene su un po’ ribelle, prova a fidanzarsi con la bella di paese e, quando scopre che un altro sta per sposarla, irrompe alla festa di matrimonio e la rapisce. La fuga si sposta in un mondo incantato fra troll e altre bestie della fantasia nordica: detta così sa di avventuroso.
MARAT | A parte le marchette. Che quelle sono altra cosa. Ci sono due categorie di critiche che mi danno noia: le logorroiche e i riassuntini (para)scolastici. Le prime sono lo sfogo verbale di un ego smisurato o minuscolo, a seconda dei casi. È vizio tipico del web. E ti rintrona talmente che rimpiangi le battute contate ai decimali dei quotidiani cartacei. Le logiche redazionali. Quelle che ti bruciano una recensione per presentare il musical al Teatro della Luna. Cose così. Eppure quasi le preferisci. Del tipo: mi sveglio, alzo un po’ la tapparella per fare entrare un filo di luce, getto un occhio alle piante sul balcone e mi preparo il caffè. Fino a qui tutto bene. Ma si sa, il problema non è la caduta ma l’atterraggio. Ovvero la lettura di siti e giornali.
ANTONELLA POLI | “Non conosco altro balletto in cui la danza sia capace di regalare in maniera così perfetta l’illusione di una narrazione drammatica…La danza non è un esercizio acrobatico, ma è del tutto espressivo: l’azione si traduce unicamente in gesti danzati e acquisisce una forza, un’intensità d’emozione raramente ineguagliabili”, così scrive Serge Lifar nel 1942 a proposito di Giselle.
La Sylphide, « le ballet blanc » per eccellenza è stato senz’altro il primo e ha segnato in un certo senso le successive produzioni ballettistiche in cui il senso dell’immaterialità divenne caratteristica peculiare incarnandone anche l’ideale romantico. Inoltre attraverso la danza, si riusciva così a superare la dicotomia “religiosa” tra spirito e corpo, questa rottura che trovava il suo sugello nella realizzazione del desiderio amoroso. La creazione coreografica trovava, dunque, una propria vocazione, che le attribuiva anche in un certo senso la sua finalità. E di tutto ciò sempre lo stesso Gautier ne fu fermamente convinto, anche perché trovò nella danzatrice Carlotta Grisi la sua musa ispiratrice. Sia chiaro che in ogni caso sarebbe un errore pensare che la fonte originaria di Giselle sia stata anche la Sylphide, benché i temi in comune siano parecchi. Sulle fonti del balletto ne abbiamo già discusso. E veniamo alla Giselle, ripresa da Yvette Chauviré e messa in scena al Teatro alla Scala di Milano a partire dal 26 Aprile. La coppia oramai consolidata Zakharova-Bolle ha ancora una volta mostrato tutta la loro perfezione, sia tecnica che artistica. I due danzatori fanno oramai coppia fissa nel teatro scaligero e questo permette loro di danzare all’unisono, e di interpretare i personaggi del balletto classico con grande maestria. La bellezza dei gesti splende sul palcoscenico, la loro sintonia fa vivere realmente la storia d’amore e di tradimento tra Giselle e Albrecht. Il corpo della Zakharova scompare nell’esecuzione delle infinite arabesques, Roberto Bolle l’accompagna, con tutta la sua sensibilità e la padronanza del ruolo. Ma il successo di questa ripresa lo si deve anche agli altri protagonisti, alcuni più noti altri meno. Mick Zeni, garantisce con tutta la sua teatralità, la riuscita del personaggio di Hilarion, la giovane Vittoria Valerio con il primo ballerino Antonino Sutera danno vita a un bel pas des deux nel primo atto, perfetti nella loro variazione. Virna Toppi é Myrtha, la regina delle Willi. La ballerina, che ricordiamo fa ancora parte del Corpo di Ballo e che aveva esordito nel personaggio di Raymonda nel mese di ottobre 2012, conferma di avere buone qualità, anche se nei primi momenti in scena esita, apparendo quasi intimorita dal ruolo che veste. Questo lo si nota soprattutto nell’esecuzione di quella quinta serré pointé; ma in seguito si riprende ammirandola nella serie dei grand jeté e nella capacità di affermare tutto il suo potere sulle Willi. Quest’anno nel ruolo di Giselle, si alterneranno Petra Conti e l’esordiente Lusymay Di Stefano, promesse del Teatro alla Scala.
MARIA CRISTINA SERRA | L’arte riempie la vita di significati, incrocia le parole della nostra contemporaneità, ci rammenta che siamo fatti della stessa materia dei sogni. “L’arte è ciò che rende la vita più interessante dell’Arte”, dice Guillaume Piens, Commissario generale della 15° edizione di “Art Paris” al suo secondo mandato, determinato a seguire la rotta verso un “cosmopolitismo regionalista” in una visione dell’arte non spettacolare e fine a se stessa né “mondialista”, condizionata dalle mode e dalla finanza, ma capace di rappresentare autenticamente tutti i sentimenti umani nella loro universalità.
RENZO FRANCABANDERA | E’ iniziato ieri il DISCLAIMER
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